Cerámica y movimiento en la Bienal de Gwangju 2026
En Escalpelo Studio desarrollamos las cuatro esculturas de Anti Producción, obra de Luis Enrique Zela-Koort presentada en At the Threshold, la exposición del Pabellón de Perú en la 16ª Bienal de Gwangju, en Corea del Sur.
Con curaduría de Silvana Lagos, la exposición reúne el trabajo de Luis Enrique Zela-Koort y Alonso León-Velarde en el Yangnim Art Museum. Sus obras abordan, desde la materia y la percepción, una pregunta compartida: ¿qué ocurre cuando llegamos al límite de lo que conocemos y nos permitimos cruzarlo?
Un pabellón como pregunta
En su discurso inaugural, Silvana Lagos comenzó por hablar del espacio que contiene las obras. Recordó que el pabellón es una forma heredada de las exposiciones universales del siglo XIX, donde cada nación recibía un lugar y la tarea de resumirse ante la mirada de los demás.
At the Threshold cuestiona esa expectativa. La curadora propone un encuentro entre dos artistas que trabajan en direcciones distintas y aceptan poner sus obras en una misma sala para descubrir cómo se transforman mutuamente. El pabellón se convierte así en una proposición abierta, un portal que permite establecer relaciones sin reducir un país a una imagen única.
El título, que podemos traducir como En el umbral, señala esa disposición a permanecer cerca de lo incierto. Las obras invitan a revisar lo que entendemos por tecnología, memoria y experiencia.
Una máquina de otro tiempo
En Anti Producción, Luis Enrique Zela-Koort lleva a la cerámica las formas de los engranes de transmisión industrial. Silvana los relaciona con los mecanismos utilizados en centrales eléctricas, torres de enfriamiento y acerías: parte de la infraestructura que mantiene al mundo moderno en movimiento y que habitualmente permanece fuera de nuestra atención.
Al recrear estas formas en arcilla y ponerlas a girar, el artista reúne procesos industriales con una de las tecnologías más antiguas de nuestra especie. Los engranes se rozan, vibran y producen sonidos. Su movimiento ocurre con una lentitud que, en palabras de la curadora, ninguna fábrica toleraría.
Es una máquina de otro tiempo que se mueve en otro tiempo.
La cerámica participa activamente en lo que sucede. La fricción modifica sus superficies; el desgaste deja huellas del contacto. En la entrevista publicada por Something Curated, Luis Enrique explica cómo la incertidumbre y la transformación material forman parte de la obra. Las esculturas cambian a medida que funcionan.
Ese proceso permite preguntarnos qué esperamos de una máquina, qué valoramos cuando hablamos de eficiencia y qué otras relaciones con la tecnología podemos imaginar.
La memoria de La Máquina de Arcilla
El discurso de Silvana sitúa un antecedente fundamental para estas piezas: La Máquina de Arcilla, construida por Emilio Rodríguez-Larraín en 1987 en el desierto cercano a Trujillo.
La curadora describe aquella construcción de arcilla y adobe como una huaca contemporánea en la arena y recuerda su demolición en 2022. Desde su lectura, Anti Producción continúa una discusión que esa obra había abierto: qué podría haber sido la tecnología y qué posibilidades siguen disponibles para pensarla de otra manera.
Esta relación da profundidad a la idea de un futuro que no olvida el pasado. La memoria aparece como una fuerza que todavía puede intervenir en nuestras decisiones materiales y técnicas. Los procesos antiguos y los contemporáneos conviven, se tensionan y producen nuevas preguntas.
Escuchar durante más de treinta segundos
El sonido ocupa un lugar central en la experiencia de Anti Producción. Silvana lo describe como bello durante los primeros segundos y ligeramente inquietante después. Al permanecer frente a las esculturas, la escucha cambia: comenzamos a reconocer el roce, la resistencia y el esfuerzo de los cuerpos cerámicos en movimiento.
La lentitud es deliberada. Al terminar su discurso, la curadora invitó al público a dedicar unos minutos a las piezas, porque en el sonido sucede algo que no aparece durante los primeros treinta segundos.
Esa invitación también propone una manera de acercarse a la obra: darle tiempo. Percibir sus variaciones y atender a aquello que una mirada rápida podría pasar por alto.
Materia y percepción en una misma sala
Las pinturas de Alonso León-Velarde se aproximan al umbral desde la visión. En su presentación, Silvana las sitúa en el encuentro entre lo observable y lo alucinatorio: el éxtasis religioso, los oráculos y el espejismo.
Sus marcos curvos intervienen en la relación entre la imagen, el espacio y quien la observa. La curadora vincula estas obras con tradiciones pictóricas de los siglos XV y XVI, desde Parmigianino hasta pintores anónimos de la Escuela del Cuzco, que entendían la pintura como una vía de acceso a otra experiencia.
En la sala, el movimiento de los engranes y la presencia de las pinturas permiten recorrer esa pregunta desde registros distintos. Luis Enrique trabaja a través de la materia; Alonso, a través de la percepción. Para Silvana, ambos cuestionan la idea de que el pasado ha quedado detrás de nosotros.
El desarrollo de las cuatro esculturas
Desde Escalpelo Studio participamos en el desarrollo de las cuatro esculturas de Anti Producción. El proyecto reunió trabajo con moldes, impresión 3D, elaboración cerámica y fabricación de estructuras, mediante la colaboración entre distintos talleres.
Cada contribución aportó conocimientos y procesos específicos para materializar la obra:
- Artista: Luis Enrique Zela-Koort — @luisenzk.
- Desarrollo: Escalpelo Studio — @escalpelo.studio.
- Engranes cerámicos realizados con moldes: Roa Ceramic Studio — @roaceramicstudio.
- Engranes realizados mediante impresión 3D: MANUFACTURA — @manufacturamx.
- Adornos cerámicos de tambor: Tierra Mojada — @tierra4mojada.
- Fabricación de parte de las estructuras: @canis_majoris_art.
- Curaduría de la exposición: Silvana Lagos — @silvanadotlagos.
Agradecemos a Luis Enrique la confianza y a cada colaborador el trabajo que hizo posible llevar estas piezas a Gwangju.
Gwangju y un intercambio que continúa
Silvana destacó que presentar esta exposición en Gwangju tiene un significado particular. En su discurso vinculó la bienal con la insistencia de la ciudad en hacer visible aquello que había sido invisibilizado. Esa historia, señaló, merece ser reconocida sin apropiársela, y contribuye a que el pabellón se plantee como una pregunta abierta.
También anunció que, después de Gwangju, la exposición viajará al Museo de Arte Moderno de Trujillo, donde la conversación se abrirá nuevamente con artistas surcoreanos. El recorrido sitúa el intercambio en una ciudad peruana fuera de Lima y propone que la relación entre ambos contextos continúe en las dos direcciones.
En sus agradecimientos, la curadora reconoció a Gerardo Chávez y al equipo del MAM Trujillo, a la Gwangju Biennale Foundation, al equipo de Yangnim, a la Embajada del Perú en la República de Corea y a quienes respaldaron un proyecto cuyo resultado permaneció abierto durante su desarrollo.
Rilke y la posibilidad de cambiar
La 16ª Bienal de Gwangju lleva por título You Must Change Your Life. La frase proviene del último verso de Torso arcaico de Apolo, poema de Rainer Maria Rilke publicado en 1908. La bienal retoma esa invitación para explorar cómo la práctica artística puede transformar nuestra percepción y nuestras maneras de vivir.
En el poema, un fragmento de escultura conserva una presencia capaz de interpelar a quien lo contempla. Aunque carece de cabeza, parece devolvernos la mirada. El encuentro culmina con estas palabras:
Du mußt dein Leben ändern.
Debes cambiar tu vida.
Traducción propia del verso final. Leer el poema original en alemán.
En Anti Producción, esa posibilidad de transformación comienza con un gesto concreto: detenernos frente a los engranes, escucharlos durante unos minutos y observar lo que el movimiento deja en la materia.
Visitar At the Threshold
Exposición: At the Threshold — Pabellón de Perú
Artistas: Luis Enrique Zela-Koort y Alonso León-Velarde
Curaduría: Silvana Lagos
Sede: Yangnim Art Museum, Gwangju, República de Corea
Fechas de la exposición: del 5 de septiembre al 5 de noviembre de 2026
El calendario general de la 16ª Bienal de Gwangju, You Must Change Your Life, se extiende del 5 de septiembre al 15 de noviembre de 2026.
Lecturas y enlaces
- Something Curated: Between Machine and Mirage: Inside the Peruvian Pavilion at the 16th Gwangju Biennale. Entrevista de Keshav Anand con los artistas y la curadora.
- exibart Argentina: cobertura de los pabellones latinoamericanos en Gwangju 2026.
- Sitio de Luis Enrique Zela-Koort.
- Proyectos de Silvana Lagos.
- Museo de Arte Moderno de Trujillo.
- Sitio oficial de la Bienal de Gwangju.
Este artículo incorpora una paráfrasis en español del discurso inaugural de Silvana Lagos.
Sigue nuestros proyectos y procesos en @escalpelo.studio.
